My favorite rock songs #99 - #118

24.09.2025

Одиннадцатая часть заметок о любимых рок-композициях Дмитрия Громова.

Как некоторое время назад и обещал, знакомлю вас сегодня с дебютным альбомом британской психоделической арт-рок группы The Crazy World of Arthur Brown 1968-го года. Название альбома — такое же, как у группы, которую собрал в 1967 г. британский певец Артур Браун. Браун обладал (и обладает! — хотя ему сейчас и 83 года!) выдающимися вокальными данными — в частности, голосовым диапазоном в четыре октавы(!) и блестящими способностями к разнообразным интонировкам. Чем активно и пользуется в исполняемых им песнях, всячески разнообразя их вокальное звучание. Вокал Брауна весьма эмоционален, необычен и по-хорошему «театрален». Хотя прославился Артур Браун далеко не только и не столько этим. Он был одним из зачинателей ярких сценических шоу, активно используя грим, яркие «кислотные» костюмы и огненные спецэффекты (самый известный — горящий шлем-дуршлаг на голове, а то и полностью горящий костюм). Короче, зажигал не по-детски!
Вместе с Артуром Брауном в The Crazy World of Arthur Brown играли, в частности, органист Винсент Крэйн (позже организовал группу Atomic Rooster) и ударник Карл Палмер (помог Крэйну с Atomic Rooster, но прославился как участник знаменитой группы Emerson, Lake & Palmer).
В 1975 году Артур Браун снялся в экранизации рок-оперы The Who «Томми» Кена Рассела. Также участвовал в музыкальных проектах «Tales of Mystery and Imagination by Edgar Allan Poe» группы The Alan Parsons Project, в нескольких альбомах Клауса Шульце (с которым я намерен познакомить вас в дальнейшем — кто еще не знаком), сотрудничал с Брюсом Дикинсоном — и так далее. В общем, Артур Браун — это без сомнения талантливый и незаурядный певец и музыкант с многогранным талантом и неуемной тягой к экспериментаторству.
Представляю вам сегодня композицию Come & Buy (ага, «Пришел, увидел, всё купил»!) из знаменитого дебютного альбома группы The Crazy World of Arthur Brown 1968 года.
Встречайте!

Раз уж в предыдущем посте мною был представлен Артур Браун — наверное, стоит немного пройтись по старым психоделическим группам 60-х — 70-х годов прошлого века. Таких групп в то время было немало, поэтому остановлюсь лишь на некоторых из них.
Итак, американская группа The 13th Floor Elevators, основанная в Остине (штат Техас) гитаристом и вокалистом Роки Эриксоном, гитаристом Стэйси Сатэрлэндом и Томми Холлом. Группа существовала с 1965 по 1969 год и выпустила 4 альбома и 7 синглов.
Одна из первых групп психоделического направления рок-музыки. Особого коммерческого успеха не имела, хотя их выступления проходили при переполненных залах. The 13th Floor Elevators, кстати, повлияли на такую группу, как Jefferson Airplane в целом и на ее вокалиста Марти Балина в частности. Первый альбом группы The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators входит в список Роберта Димери «1001 альбом, которые надо послушать, прежде чем умрёшь». Также считается, что The 13th Floor Elevators повлияли на дальнейшее становление и развитие панк-рока.
Представляю вам сегодня песню Slide Machine из альбома этой группы «Easter Everywhere» 1967-го года.

Продолжаем наше психоделическое путешествие! Сегодня в рубрике у нас британская «гаражная» рок-группа The Attack, просуществовавшая с 1966-го по 1968 год. Группа играла в стилях blues rock, power pop, psychedelic rock и прото-хард-рок. В конце 1966-го года группа записала свой первый сингл на лейбле Decca Records. В последующие годы различные обстоятельства и конфликты с лейблом по поводу "тяжести" композиций не давали группе обрести должную популярность. Не добившись успеха и не реализовав планов по выпуску альбомов, в 1968-м году группа распалась.
В этой группе начинал свою карьеру легендарный гитарист Джон Дю Кэнн (John Du Cann), позднее игравший в таких группах как Andromeda (до этой группы мы еще доберемся), Atomic Rooster, Daemon, Hard Stuff, Thin Lizzy. Давний друг Джона Дю Кэнна — Джон МакКой по кличке «Мамонт» — позже основал свою фирму Angel Air и взялся за переиздание наследия своего друга. Его инициативу подхватили и другие, так что на сегодняшний день раритетные записи The Attack вполне доступны.
Сегодня я представляю вам песню Mr. Pinnodmys Dilemma, записанную группой в 1968 г. Эта песня в свое время не выходила даже на сингле, но позже была отремастирована с сохранившейся оригинальной записи 1968-го и вошла в целый ряд компилятивных альбомов / сборников группы, которые выпускались с начала 90-х по середину 2000-х годов.
Итак, встречайте: Mr. Pinnodmys Dilemma!

Продолжаем наш небольшой экскурс по старым психоделическим группам — британская рок-группа Spooky Tooth, образованная в 1967 году в Карлайле участниками групп The VIPs, The Ramrods и Art. Spooky Tooth играли в своеобразном «гибридном стиле», сочетавшем в себе элементы хард-рока, арт/прогрессив-рока и психоделики. Они одними из первых (наряду с The Band и Procol Harum) использовали клавишный дуэт в составе группы.
В 1970-м году, выпустив три альбома, группа распалась (четвертый их альбом, записанный в 1970-м, вышел уже после распада группы). Грег Ридли образовал Humble Pie, Райт перешел в Wonderwheel, Лютер Гроссвенор (под именем Ариэль Бендер) играл в Steeler’s Wheel и позже в Mott the Hoople. Майк Келли стал участником поп-панк-группы The Only Ones. Мик Джонс, участвовавший в реформированном составе Spooky Tooth (1972-74 годы), более известен сейчас как участник Foreigner.
Представляю вам композицию Evil Woman из альбома «Spooky Two» 1969-го года.

Продолжаем путешествие по волнам психоделики 60-х — 70-х годов прошлого века, и сегодня у нас датская группа Ache из Копенгагена. Группу образовали в 1969-м году братья Олафссон: Finn Olafsson (гитара) и Torsten Olaffson (бас), Peter Mellin (клавишные) и Гленн Фишер (ударные). Первым делом группа решила написать музыку к рок-балету «De Homine Urbano». Что и было сделано: в июне 1969-го года вся музыка для рок-балета была за один день записана на пленку в студии. И тем же летом состоялась сценическая постановка балета в Копенгагене. После чего Ache попытались организовать целый рок-театр, но столкнулись с рядом трудностей, в первую очередь финансовых. В итоге музыкантам пришлось вернуться к студийной работе.
Группа работала в «гибридном» стиле, в котором сочетались симфо-рок и психоделика, арт-рок / прогрессив-рок и элементы хард-рока. В некоторой степени их стиль был близок к манере Van Der Graaf Generator – хотя, разумеется, имелись и существенные отличия. К инструментальному квартету добавился вокал, и в 1970-м году вышел первый альбом Ache «De Homine Urbano» с музыкой к одноименному балету, а следом, в 1971-м, — альбом «Green Man». Особого коммерческого успеха эти альбомы не имели, и группа в итоге распалась. В 1976-м Ache вновь собрались в несколько изменившемся составе. Претерпел некоторые изменения и музыкальный стиль группы. В 1976-м году Ache выпустили концептуальный альбом / рок-оперу «Pictures From Cyclus 7», и следом, в 1977-м — альбом «Bla Som Altid». После чего группа снова распалась. Впоследствии Ache еще несколько раз «возрождались», давали «живые» концерты, но альбомов больше не выпускали.
В целом, как на мой взгляд, группа интересная и неординарная, и ее творчество заслуживает внимания. Сегодня я хочу представить вам композицию «Shadow of Gipsy», которая в 1971-м году была выпущена отдельным синглом, и в том же году вошла в альбом «Green Man». Как по мне, это одна из лучших композиций Ache. В свое время эта песня ворвалась в чарты многих европейских стран, а особую популярность обрела во Франции.

Наше путешествие по волнам старой психоделики (в смеси с разными другими направлениями музыки) продолжается. Встречайте британскау группу Soft Machine, которая играла в стилях «Кентербери» («кентерберийская сцена»), джаз-рока и джаз-фьюжна, психоделики и прогрессив-рока. Группа была названа в честь книги Уильяма Берроуза «The Soft Machine». Основанная в 1966 году Робертом Уайеттом (ударные, вокал) и Кевином Эйерсом (бас-гитара, вокал), а также Дэвидом Алленом (гитары) и Майком Рэтлиджем (клавишные), группа по праву считается одним из центральных образований Кентерберийской сцены. За время существования Soft Machine неоднократно меняли свой состав, так что в итоге через эту группу прошли немало весьма известных музыкантов. Самый свежий на сегодня альбом Soft Machine: «Other Doors» вышел в 2023-м году.
Если честно, ранние альбомы группы 1968-1969 годов лично меня не особо впечатлили — ни музыкой, ни (особенно) вокалом. Как говорится, «такого тогда было много». Но начиная с третьего альбома 1970-го года Soft Machine существенно изменили свое звучание, сдвинувшись в сторону джаз-рока / джаз-фьюжна с уклоном в психоделику, а главное — их альбомы сделались практически чисто инструментальными. Видимо, музыканты и сами поняли, что с вокалом у них «что-то не то». Новое звучание Soft Machine стало чем-то напоминать King Crimson – при ряде существенных отличий, разумеется. И вот этот новый стиль группы лично мне, как говорится, «зашел» куда лучше, чем первоначальный.
Сегодня представляю вам композицию Song Of Aeolus группы Soft Machine из альбома «Softs» 1976 года.

Наше психоделическое путешествие по рок-закромам 1960-70-х годов продолжается, и сегодня у нас малоизвестная французская группа L'Ame Son. Группа была основана в 1969-м году, и в ее состав вошли: Marc Blanc — вокал, барабаны; Francois Garrel — вокал, флейта; Patrick Fontaine — бас-гитара и Bernard Lavialle — гитара. Группа играла в манере психоделического арт-рока — за счет флейты (и не только) их стиль немного походил на стиль Jethro Tull — и выпустила всего два альбома: Catalyse (1971) и Primitive Expression (1976). Как на мой взгляд/вкус/слух, группа весьма интересная, и ознакомиться с ее творчеством имеет смысл.
Сегодня представляю вам композицию Unity — bonus track из альбома «Catalyse» 1971 года группы L'Ame Son.

Сегодня психоделическое путешествие переносит нас через океан, в США — с американская группа H. P. Lovecraft (1967-1969), позднее отчасти сменившая состав и название — на Lovecraft (1969-1970), и еще раз — на Love Craft (с 1971 г.). Группа собралась в Чикаго в 1967 году, но уже в следующем году перебралась в Сан-Франциско. Группа была названа в честь знаменитого американского писателя, автора хоррора / мистики / психоделических кошмаров Говарда Филлипса Лавкрафта (Howard Phillips “H. P.” Lovecraft) — создателя знаменитого Ктулху, великого и ужасного (Ктулху фхтагн, ага!) и других Великих Древних.
В состав группы H. P. Lovecraft входили: Джордж Эдвард (George Edward) (настоящее имя Charles Ethan Kenning) — вокал, акустическая гитара, электрогитара, гитаррон, бас; Дэйв Майклс (Dave Michaels) (настоящее имя David Miotke) — вокал, орган, пианино, клавесин, кларнет; Джерри МакДжордж (Jerry McGeorge) (настоящее имя Cincinnati) — бас, вокал — позже его сменил Джефф Бойан (Jeff Boyan); Тони Кавалэри (Tony Cavallari) — соло-гитара, вокал; Майкл Тэгза (Michael Tegza) — ударные, перкуссия, вокал.
Группа играла в стиле психоделического арт-рока / прогрессив-рока, местами с уклоном к симфо-року, и выпустила под разными названиями / разными составами четыре студийных альбома: H. P. Lovecraft (1967), H. P. Lovecraft II (1968) (как H. P. Lovecraft), Valley of the Moon (как Lovecraft, 1970) и We Love You Whoever You Are (как Love Craft, 1975). Группа была весьма интересная и оригинальная, и влияние литературного творчества Говарда Филлипса Лавкрафта на нее несомненно: ряд песен/композиций группы посвящен/написан по мотивам литературных произведения Лавкрафта. Да и общий мрачно-мистический психоделический стиль и направленность также явно навеяны его творчеством.
Сегодня я представляю вам композицию этой группы Blue Jack of Diamonds из альбома «H. P. Lovecraft II» 1968-го года.

И еще немного психоделики. Сегодня у нас британская группа Andromeda, образовавшаяся в 1966-м году и просуществовала до 1970-го года. Вскоре, покинув группу The Attack, о которой я писал тут ранее, к Andromeda присоединился легендарный гитарист Джон Дю Кэнн (John Du Cann), позднее игравший в таких группах как Atomic Rooster, Daemon, Hard Stuff, Thin Lizzy. Группа играла в «гибридном» стиле, который объединял в себе такие направления, как psychedelic rock, freakbeat, acid rock, progressive rock и hard rock. Дебютный альбом Andromeda (он так и назывался) вышел в 1969-м году.
Представляю вам песню Too Old из альбома «Andromeda» 1969 года.

На самом деле разнообразных групп, игравших в таких направлениях, как психоделический рок/арт-рок/прогрессив-рок и ряде «смежных» стилей, во второй половине 60-х — начале 70-х годов было немало. Но как известно, «нельзя объять необъятное». Возможно, я со временем еще вернусь к этой теме, а пока завершаю этот небольшой «психоделический экскурс» знаменитой в свое время греческой(!) группой Aphrodite’s Child.
Изначально группа собралась в Греции, и музыкантов в ней было четверо. Но со временем трое из них поехали в Париж учиться в Сорбонне, а четвертого, Сильвера Кулуриса, не выпустили из Греции из-за прихода к власти хунты «чёрных полковников». Так что во Франции пришлось играть втроем. Группа собиралась переехать в Британию, но в итоге ряда перипетий все же обосновалась во Франции, в Париже, где получила предложение подписать контракт со звукозаписывающей компанией Меркюри.
В состав группы в итоге вошли: певец Демис Руссос — вокал, бас-гитара, гитара, флейта и народные греческие инструменты, — позже ставший весьма известным благодаря своей сольной карьере певца; Лукас Сидерас — ударные, гитара, второй вокал; и Вангелис Папатанасиу — клавишные, преимущественно электроорган, — именно он стал в итоге неформальным лидером группы и взял на себя сочинение и аранжировку музыки. Стиль группы был весьма своеобразным и эклектичным: в нем смешались поп-рок, фолк-рок, прогрессив-рок, джаз-рок, авангард, психоделика…
За свою не слишком долгую карьеру группа успела выпустить три студийных альбома (один из них на двух дисках), получить признание критиков и популярность среди фанатов как в Европе, так и США — и в итоге распалась из-за несовпадения музыкальных предпочтений участников.
Первый альбом Aphrodite’s Child «End of the World» (также известный как «Rain and Tears») вышел в октябре 1968 года. Второй альбом «It’s Five O’clock» был записан в Trident Studios в Лондоне, куда группа наконец смогла-таки попасть, в конце 1969 года и вышел в январе 1970-го. В том же 1970-м году началась работа над третьим альбомом из двух дисков. Альбом получил название «666» (The Apocalypse of John, 13/18). Он был создан под впечатлением от Откровения Иоанна Богослова. Было приглашено много сторонних музыкантов для студийных сессий. Альбом «666» вышел в 1972 году и был высоко оценен как критиками, так и слушателями. Этот альбом также высоко оценил художник-сюрреалист Сальвадор Дали.
После этого музыканты пошли разными путями, лишь изредка сотрудничая над совместными проектами. Руссос стал исполнять эстрадную музыку с греческим фольклорным колоритом. Автором некоторых песен и клавишником на ряде его записей был Папатанасиу. Сидерас занялся наукой и некоторое время преподавал античную литературу в Сорбонне, позже был замечен на ударных в двух других группах, но большого успеха уже достичь не сумел. А Вангелис Папатанасиу, сократив имя до псевдонима «Вангелис» (Vangelis), начал работать в жанре электронной музыки и стал в нем одним из первооткрывателей. На его творчестве мы тут скоро остановимся чуть подробнее.
А пока представляю вам песню Good Time So Fine из альбома «It's Five O' Clock» группы Aphrodite’s Child.

В прошлом выпуске у нас была греческая группа Aphrodite's Child. Как я и обещал, сегодня мы чуть подробнее остановимся на сольном творчестве клавишника и фактического лидера этой группы — Вангелиса (Vangelis; полное имя — Эвангелос Одиссеас Папатанасиу, 29 марта 1943 — 17 мая 2022).
Еще в 1970-м году Вангелис записал свой первый сольный диск: саундтрек к фильму Генри Чапиера «Sex Power» в жанре «легкой эротики». Когда же группа Aphrodite's Child распалась, Вангелис занялся сольной карьерой. В 1975 году он подписал контракт с компанией RCA и основал собственную студию звукозаписи «Nemo Studios». На ней он записал целый ряд электронных альбомов, таких, как Heaven and Hell (1975), Albedo 0,39 (1976), Spiral (1977), Beaubourg (1978) и China (1979). Части из Heaven and Hell впоследствии использовались в качестве главной темы в телевизионном сериале Карла Сагана «Космос».
Вообще Вангелис написал музыку для множества фильмов. В частности, его музыка звучит в таких фильмах, как «Смерть принцессы» (1980) британского режиссёра Энтони Томаса; «Огненные колесницы» (1981) — за музыку к этому фильму Вангелис удостоился премий «Оскар» и «Грэмми». Заглавный трек с альбома-саундрека к этому фильму стал единственной греческой композицией в истории, возглавившей национальный хит-парад США. В 1982 году Вангелис написал музыку к фильму «Bladerunner» («Бегущий по лезвию», режиссёр Ридли Скотт). В 1992-м году Вангелис был номинирован на премию «Золотой глобус» по категории «Лучшая музыка к фильму» (фильм «1492: Завоевание рая»). В 1996 Вангелис пишет саундтреки к одному из фильмов «Подводной Одиссеи» Жака-Ива Кусто, но тот после прослушивания материала отказывается брать музыку к фильму со словами: «Никто не будет смотреть мой фильм, все будут только слушать твою музыку». Так появляется альбом «Oceanic».
Кроме музыки к фильмам и альбомов электронной музыки, Вангелис выпускает альбом академической музыки «Invisible Connections» и альбом симфонической и хоральной музыки «The Mask» (1985).
В 1993 году он сочиняет вокальную симфонию «Mythodea», которая в 2001-м становится официальной музыкой миссии НАСА «Марс Одиссей» и исполняется в Храме Зевса в Афинах в рамках «культурной Олимпиады» в преддверии Олимпиады-2004. В 1998 года вышел новый альбом Вангелиса «El Greco». В 2002 году Вангелис стал автором гимна чемпионата мира по футболу в Японии и Корее.
После 20 лет эмиграции Вангелис вернулся в Грецию. Там ему было поручено создание музыки для открытия Олимпийских игр в Афинах. На сцене идут балеты Вангелиса — не только в Греции, но и за её пределами. В 2012 году в Лондоне на Олимпийских играх Лондонским симфоническим оркестром с участием Роуэна Аткинсона была исполнена инструментальная композиция Вангелиса «Chariots of Fire». Видео с этой записью набрало больше всего просмотров за всю историю официального YouTube-канала Олимпийских игр.
К космической тематике Вангелис вернулся в 2014 году после того, как поговорил по скайпу c находящимся на борту МКС астронавтом Андре Кёйперсом о миссии «Розетта». История о посадке космического аппарата на поверхность кометы вдохновила 70-летнего композитора на очередную синтезаторно-оркестровую запись. Последний его альбом вышел в 2021 году и назывался «Juno to Jupiter» («От Юноны к Юпитеру»).
Умер Вангелис 17 мая 2022 года от сердечной недостаточности в одной из больниц Парижа, где лечился от COVID-19.
Сегодня хочу представить вам композицию The Dragon из альбома Вангелиса «China» 1979 года.

Надо сказать, что в 1974 году, когда Вангелис переехал из Парижа в Лондон, его кандидатура рассматривалась как возможная замена клавишника Рика Уэйкмана в группе Yes. Однако после двух недель репетиций Вангелис покинул группу, сказав, что его музыкальная концепция слишком далека от концепции Yes. Но за эти две недели он сдружился с вокалистом Yes Джоном Андерсоном, что впоследствии вылились в их совместное творчество. Вангелис и Андерсон в итоге записали четыре совместных весьма успешных альбома: Short Stories (1980), The Friends of Mr. Cairo (1981), Private Collection (1983) и Page of Life (1991). Все четыре альбома выдержаны в стиле легкого и достаточно ритмичного арт-симфо-рока с выделенными клавишными Вангелиса и характерным вокалом Джона Андерсона. Альбомы эти, как по мне, весьма интересны и заслуживают внимания.
Представляю вам композицию The Friends of Mr. Cairo из одноименного альбома 1981-го года Jon & Vangelis. Встречайте!

Раз уж в предыдущих постах рубрики я вспомнил греческого музыканта и композитора Вангелиса, то логично будет вспомнить и его соотечественника Yanni (Янни Хрисомаллис / Yanni Hrisomallis) — греческого композитора, дирижёра, пианиста/клавишника и аранжировщика, основателя интернационального оркестра «Yanni», который исполняет в основном инструментальную музыку, сочиненную Янни Хрисомаллисом.
Янни Хрисомаллис родился в Греции в 1954 году. В 14 лет Янни побил национальный рекорд Греции по плаванию вольным стилем и мечтал стать олимпийским чемпионом, а о музыке и не помышлял. В 18 лет Янни уехал на учёбу в США, в университет Миннесоты, где познакомился с университетской рок-группой Chameleon и увлекся музыкой. После окончания учёбы (бакалавр психологии) остался играть в группе на клавишных. Будучи музыкантом-самоучкой и не умея читать ноты, Янни разработал собственную систему ритма и нотной грамоты, по которой прекрасно сочиняет и исполняет свою музыку.
Янни начал искать свой стиль, экспериментировать, играя рок и джаз, углубился в эксперименты с синтезаторным звуком. Не так уж много времени понадобилось, чтобы Янни смог заявить о себе как о профессиональном студийном музыканте, неординарном композиторе и продюсере.
Успех пришел к Янни сразу после выхода первого самостоятельного альбома «Optimystique» (1984). Его творчество заинтересовало компанию Private Music, которая в 1986 г. издала его следующий альбом «Keys to Imagination». С той поры музыкант становится одной из наиболее заметных фигур в мире современной инструментальной / электронной музыки. Янни Хрисомаллис также является автором саундтреков к нескольким фильмам.
Сегодня я хочу вам представить композицию The Magus из дебютного альбома Yanni «Optimystique» 1984-го года.

Раз уж в нескольких предыдущих постах я коснулся темы электронной музыки, то пройдусь немного по этой теме и дальше. Итак, французская группа Space, которую основал в 1976 году Дидье Маруани (Didier Marouani; псевдоним — Экама (Ecama); род. 14 июля 1953, Монако) — французский музыкант, певец, композитор и клавишник, один из пионеров электронной музыки — совместно с Роланом Романелли и Янником Топом. Группа исполняла электронную «космическую» музыку в стиле «синтипоп». Для работы в группе Маруани взял себе псевдоним Экама, а на концертах вместе с остальными музыкантами скрывал лицо шлемом бутафорского скафандра. То, что певец Маруани и клавишник Space — одно и то же лицо, стало известно уже после выхода первого альбома Space. Группа много записывалась, но у неё почти не было «живых» концертов. Запланированное большое выступление на Парижской площади несколько раз срывалось, и после очередного такого случая Маруани обвинил в провале продюсера группы Жана-Филиппа Илиеско, который вёл переговоры с мэрией Парижа, и в 1980 году покинул группу.
Маруани вернулся к сольной карьере и позднее выступал с разными музыкантами под названиями Paris-France-Transit и Didier Marouani & Space.
Кстати, в середине 2000-х велись переговоры между тогдашним губернатором Харькова Арсеном Аваковым и Дидье Маруани о большом шоу-концерте Маруани в Харькове во время фестиваля фантастики «Звёздный Мост». Тогда я с Маруани и познакомился «живьем» — на переговорах у Авакова. Однако в итоге «что-то пошло не так» (и отнюдь не из-за Авакова, насколько мне известно), и концерт Маруани в Харькове не состоялся. Так что есть у меня некоторое подозрение, что и в случае срыва выступления на Парижской площади дело было не только и не столько в Илиеско.
Позже Маруани привнёс в свою электронную музыку некоторые элементы рок-музыки, джаза и французского шансона. При этом Романелли и Топ сохранили за собой название «Space». После ухода Маруани материал для нового альбома был написан Романелли, но диск, выпущенный без Маруани, не пользовался успехом. Выпустив ещё один сингл, группа распалась в 1981 году, а Маруани достаточно успешно продолжил свою музыкальную карьеру.
Сегодня я хочу представить вам одну из самых известных композиций группы Space — «Magic Fly» из одноименного альбома 1977 года. Композиция идет под оригинальное видео того же 1977 года.

Продолжаем наш небольшой экскурс по группам и исполнителям разнообразной электронной музыки. Сегодня у нас в рубрике Жан-Мишель Андре Жарр (Jean-Michel André Jarre; родился 24 августа 1948 в г. Лион, Франция) — французский композитор, мультиинструменталист, один из пионеров электронной музыки, играющий в основном на синтезаторах, автор и постановщик грандиозных музыкально-световых шоу.
Жан-Мишель начал учиться играть на фортепиано с пяти лет. Учась в лицее Мишле, параллельно брал уроки гармонии, контрапункта и фуги у Жанин Рюеф из Парижской консерватории. Находясь под влиянием британской поп-музыки, играл на гитаре в различных парижских группах. С 1968 года был членом Группы музыкальных исследований (GRM) (Groupe de recherches musicales) под руководством Пьера Шеффера, занимаясь неевропейской музыкой (африканской, народов Океании и Амазонии и др.) Но увлечение электронным звучанием и синтезаторами Жарра пошло вразрез с основными доктринами GRM, и Жан-Мишель покинул GRM, сосредоточившись на электронно-синтезаторных экспериментирах и реализации собственных идей. В 1969 им был записан электронный сингл «La Cage / Erosmachine».
В 1971 году Жарр использовал электронную музыку для сопровождения балета AOR в парижском «Пале Гарнье». В 1972 году вышел его дебютный альбом Deserted Palace. В 1973 году Жан-Мишель выпускает второй свой альбом Les Granges Brulees по стилю достаточно близкий к предыдущему. Оба этих альбома весьма интересны а вошедшие в них композиции — весьма атмосферные и по-хорошему «кинематографичные». Но это пока еще совсем не та музыка, которая в скором времени принесет Жарру заслуженную известность. Далее Жарр писал самую разнообразную музыку: для использования в ресторанах и аэропортах, для рекламы, для радио и телевидения, для фильмов, сочинения для оперы и балета, поп-музыку (в т. ч. в манере французского шансона, но с более «электронным» звучанием), а также собственно электронную музыку — в т. ч. с элементами рока и джаза. В 1976 году выходит альбом Oxygène («Кислород»). Новая «космическая» синтезаторная электроника Жарра имела большой успех: альбом вскоре стал «золотым» и завоевал награду «Grand Prix du Disque». С этого момента и началась «звёздная» карьера Жарра. В конце 70-х — начале 80-х Жарр стал одним из самых известных представителей направления электронной музыки. В общей сложности по всему миру было продано более 80 млн копий его альбомов. Жан Мишель Жарр продолжает творить в различных поджанрах электронной музыки и в настоящее время.
Сегодня хочу представить вам композицию Bridge of Promises из дебютного альбома Жан-Мишеля Жарра «Deserted Palace» 1972 года. Не все знают, с чего на самом деле начинал автор «Oxygene», «Magnetic Fields» и других известных альбомов электронной музыки.

Продолжаем наш небольшой экскурс по группам и внутренним направлениям электронной музыки. Сегодня у нас немецкая группа Tangerine Dream, ещё одни из пионеров электронной музыки и краут-рока, основатели и лидеры Берлинской школы электронной музыки. Группу основал в 1967 году Эдгар Фрёзе (Edgar Wilmar Froese), изучавший в этот момент живопись и скульптуру.
Состав группы часто изменялся, в то время как Фрёзе оставался единственным бессменным её участником. В ранний период существования группы в неё входил барабанщик и композитор Клаус Шульце (Klaus Schulze), сольному творчеству которого будет посвящён следующий пост моей рубрики. Наиболее стабильный состав Tangerine Dream сложился в начале 70-х, когда коллектив состоял из Фрёзе, Кристофера Франке (Christopher Franke) и Петера Баумана (Peter Baumann).
В 2002-м году два альбома Tangerine Dream: Phaedra и Rubycon были включены в рейтинг The 25 Most Influential Ambient Albums of All Time (25 главных эмбиент-альбомов всех времён). К сожалению, 20 января 2015 года лидер Tangerine Dream Эдгар Фрёзе скончался от эмболии лёгочной артерии.
Фактически Tangerine Dream были одними из первых, кто заложил основы электронной медитативно-психоделической музыки в конце 60-х — начале 70-х годов прошлого века. Сегодня я хочу представить вам композицию Ashes To Ashes из альбома Tangerine Dream «Electronic Meditation» 1970-го года.

Как я и обещал в предыдущем посте моей рубрики, сегодня представляем вам Клауса Шульце (Klaus Schulze, 4 августа 1947 — 26 апреля 2022) — немецкого композитора и музыканта, работавшего в жанре электронной музыки. Клаус Шульце был одним из основателей и ведущих представителей Берлинской школы электронной музыки.
В 1969-м году Клаус Шульце стал барабанщиком группы Tangerine Dream и участвовал в записи их дебютного альбома Electronic Meditation (до 1969 года он был барабанщиком в группе Psy Free). В 1970-м году Шульце покинул группу, чтобы сформировать новую, Ash Ra Tempel, с Мануэлем Геттшингом и Хартмутом Энке. В 1971 году он решил покинуть вновь сформированную группу после одного альбома — на этот раз чтобы начать сольную карьеру.
В 1972-м году Шульце записал свой дебютный альбом Irrlicht с помощью электрооргана и записи репетиции оркестра, обработанной почти до неузнаваемости. Несмотря на отсутствие синтезаторов, эта прото-эмбиентная работа считается вехой в истории электронной музыки. Следующий альбом Cyborg (1973), похож на Irrlicht, но был записан с использованием синтезатора EMS VCS 3.
С того времени и до своей смерти в 2022-м Шульце успел записать более 40 оригинальных альбомов в различных стилях электронной музыки и краут-рока. Также он записывал саундтреки к фильмам, в том числе к фильмам ужасов и триллерам, таким как «Барракуда» (1978) и «Ближайшие родственники» (Next of Kin, 1982). Большинство ранних альбомов Шульце характеризуют мрачно-медитативный электронно-психоделический стиль, однако со временем Шульце начал разнообразить своё творчество, и часть его более поздних альбомов производят более «светлое» впечатление.
В 2002 году два альбома Клауса Шульце (Mirage и Timewind) были включены в рейтинг The 25 Most Influential Ambient Albums Of All Time (25 главных эмбиент альбомов всех времён). Сегодня я хочу вам представить композицию Клауса Шульце Brave Old Sequence из более «светлого» периода его творчества — из альбома “Beyond Recall” 1991-го года.

Мы все еще про продолжаем экскурс по группам и стилям электронной музыки, и сегодня у нас еще одна немецкая группа: Kraftwerk (Кра́фтверк, «Электростанция») из Дюссельдорфа, внёсшая заметный вклад в развитие электронной музыки. Группа была образована в 1968 году Флорианом Шнайдером и Ральфом Хюттером, но широкую известность приобрела, став квартетом, в который вошли также Вольфганг Флюр и Карл Бартос. Первым объединением этих музыкантов был квинтет, называвшийся «Organisation».
В ранних работах Organisation и Kraftwerk (до альбома Autobahn, 1974) музыка была экспериментальной и преимущественно не электронной. Доминирующими стилями были краут-рок и авангард. Тогда Kraftwerk сотрудничали с влиятельным звукоинженером Конни Планком (Conny Plank, также работал с Can, Neu!, Eurythmics), а также экспериментировали с различными музыкантами. Среди участников Kraftwerk были Михаэль Ротер (Michael Rother) и Клаус Дингер (Klaus Dinger), впоследствии основавшие группу Neu!. Альбом «Autobahn» (1974) стал переломным моментом не только в творчестве группы, но и в современной музыке в целом, продемонстрировав возможности синтезаторов и электроники того времени. Тема композиции «Autobahn», давшей название альбому — поездка на автомобиле по германским автомагистралям. Длительность этой композиции — более 22 минут, она занимала целую сторону виниловой пластинки.
Начиная с 1974 года музыка Kraftwerk стала менее экспериментальной, с более чёткими электронными ритм-структурами. Следующие три альбома — «Radio-Activity» (1975), «Trans-Europe Express» (1977) и «The Man Machine» (1978) — существенно повлияли на развитие электронной музыки и современной музыки в целом. На этих альбомах присутствуют такие хиты, как «Das Modell», «The Robots», «Trans-Europe Express», «Radioactivity», «Neon Lights», «Showroom Dummies». С того времени некоторые альбомы Kraftwerk выпускались в разных языковых версиях, с текстами песен на английском или немецком.
Kraftwerk являются создателями стиля «электро», часто группе Kraftwerk также приписывается изобретение стиля «техно». Они были одной из самых первых групп, создавших не-авангардную музыкальную композицию только при помощи электронных инструментов. Даже голос иногда создавался с помощью генератора или проходил через вокодер, становясь роботоподобным.
Сегодня я хочу вам представить одну из наиболее удачных, как по мне, и интересных композиций — The Model / Das Modell — группы Kraftwerk из альбома «Die Mensch-Maschine» («The Man Machine») 1978 года.

Мы продолжаем путешествие по мирам электронной музыки, ее разновидностей и смежных направлений. Marc Cerrone, более известный как просто Cerrone (итальянское произношение: Чироне, французское произношение: Серроне) — но поскольку Marc Cerrone — это французский диско-барабанщик, композитор, продюсер и концертмейстер, то, думаю, правильно все же будет Серроне. Композитор и продюсер многих диско-песен, начиная с 1970-х годов и по сей день. К «диско» Серроне добавлял существенные элементы электронной музыки (особенно это слышно в одном из его самых известных хитов «Supernature»), а также иногда — элементы джаза и симфонической музыки. Он продал более 30 миллионов альбомов по всему миру (включая более четырех миллионов копий во Франции) — и среди этого восемь миллионов альбомов с композицией «Supernature». Сингл «Love in C Minor» (1976) занял III место и был в чартах два месяца, разойдясь тиражом в три миллиона копий. В «Supernature» (1977) Серроне соединил диско-ритмы с симфонической оркестровкой и синтезаторной электронной музыкой. На диско-форуме Billboard Disco Forum 1978 года Серроне получил шесть наград, включая титул «Диско-артист года».
Кроме Love in C Minor, Cerrone's Paradise и Supernature, Марк Серроне имел успех в Европе с такими альбомами, как Cerrone IV: The Golden Touch (1978), Where Are You Now (1983), The Collector (1985), Human Nature (1994), а также с танцевальными альбомами Hysteria (2002) и Celebrate (2007). Серроне также известен своими живыми выступлениями. В 1991 году он играл в шоу (рок-опере) Harmony, чтобы отметить запуск первого в Японии телевизионного спутника высокого разрешения. Рок-оперу увидели более 800 000 зрителей в токийской гавани. Серроне адаптировал «Гармонию» для театра. В 1992 году мюзикл Dreamtime, основанный на оригинальной истории Серроне, выдержал 140 показов на Бродвее в нью-йоркском театре Эда Салливана.
Серроне записывался в студии и выступал с Найлом Роджерсом, Тото, Лаурой Браниган, Джоселин Браун, Ла Тойя Джексон и Аксель Ред. Также Серроне записал несколько саундтреков к художественным фильмам, включая музыку к экранизации романа «Заводной апельсин».
Сегодня я хочу вам представить самую известную и одну из лучших композиций Cerrone «Supernature» из одноименного альбома 1977 года.

Наш небольшой обзор различных стилей и групп электронной музыки (и смежных направлений) понемногу подходит к концу, но пока еще не завершён. Сегодня у нас электро-поп-группа из Цюриха (Швейцария) Yello, основанная в 1978 году Борисом Бланком, Дитером Майером и Карлосом Пероном.
История группы уходит корнями в 1967 год, когда Борис Бланк стал записывать свои первые музыкальные опусы на магнитофон. Из-за отсутствия музыкальных инструментов он начал использовать кухонную утварь: деревянные подставки, хрустальные бокалы, ключи и ножи. Свои нестандартные находки он долгое время пытался опробовать в различных музыкальных группах, но без особого успеха.
Переломной стала для Бориса встреча со звукорежиссёром и музыкантом Карлосом Пероном. С ним Бланк смог наконец-то создать свою первую профессиональную студию. В 1978 году они отправились в путешествие в Сан-Франциско, чтобы познакомиться со своими кумирами — авангардной группой The Residents.
Вернувшись в Швейцарию, Бланк и Перон вскоре встретились с будущим членом Yello Дитером Майером, сыном богатого отца с богатой биографией: брак с наследницей пышного аристократического титула, побег из семейного замка с намерением стать деятелем искусства, работа в качестве журналиста, автора детских книг и режиссёра экспериментальных фильмов, членство в сборной команде Швейцарии по гольфу.
Дитер легко вписался в группу, и к 1979-му году проект приобрел завершённость. Дебютный альбом записывался на американском лейбле Ralph, владельцами которой были музыканты из «The Residents». На этом альбоме появились танцевальные композиции с сочной ритмикой («Night Flanger», «Eternal Legs», «Bostich»). Альбом содержал изрядную долю юмора, как, например, в композициях «Downtown Samba» и «Coast to Polka». Инструментальные аранжировки находились где-то между современной академической музыкой, ритмичной поп-музыкой — и при отчетливом влиянии Pink Floyd, Tangerine Dream и Жана-Мишеля Жарра.
Вышедший через год второй диск в сравнении с первым обладал большей строгостью в аранжировке. Уже первые альбомы группы оказались отличными образцами семплерной технологии, представляющими сказочное царство звуков. Критики также обратили внимание, что тексты Yello населены самыми диковинными персонажами — коварными обольстительницами, коммивояжёрами, рекламирующими несусветные вещи, агентами тайной полиции и автогонщиками, крутящими на стуле воображаемую баранку. Покорение мира швейцарцами началось с выпуска их третьей пластинки «You Gotta Say Yes To Another Excess» (1983). Альбом понравился как публике, так и критикам, а композиции «I Love You» и «Lost Again» стали хитами. Самый свежий на сегодня альбом Yello — «Point» — датируется 2020-м годом.
Сегодня я хочу представить вам композицию Yello «She’s Got a Gun». Это запись «живого» исполнения песни (live at the Palladium NY, September 1985), вошедшая в ремастированное и дополненное бонус-треками (в частности, этой песней) издание 2-го альбома группы «Claro Que Si» (1981), вышедшее в 2005-м году.
Встречайте!